Forecast In Rome: “Puede que algún día los escenarios en los que baso mis canciones se hagan digitalmente”


Foto: Iván Bocanegra

Nunca he sido un acérrimo consumidor de ciencia ficción ligado a tramas de misterio, es decir, pocas veces he disfrutado tanto un producto que tome dicho género –o universo– como base para desarrollar una historia, normalmente, me parecen gratuitas y que, en algún punto, el desenlace siempre será predecible: las maquinas dominan; la tierra se acaba; las abducciones no cesan; los campos de maíz están encriptados… como sea, y a diferencia de un lenguaje enteramente visual, los episodios sonoros son cosa aparte, y si uno de estos es lo suficientemente envolvente, bueno, tenemos una pieza de campeonato –además de que, vaya, qué difícil debe ser crear este tipo de música y ponerle cerebro.

Norbert Duke, conocido en el mundo de los sintetizadores como Forecast In Rome, es uno de estos geniales productores que van más allá del evidente o ya trazado género, es incluso limitante asociarlo con uno solo, su fusión es tan sobrada, compacta y hasta contradictoria que entre su extensa gama sonora, desfilan ritmos que van del trap, el RnB, el dark ambient (o darkwave), la electrónica futurista, teclados ochenteros, etc. ¿Cómo lograr esta extensa mezcla? Hablamos con Norbert acerca de su más reciente EP (‘Landscapes’), sus inspiraciones, la música que escucha, su gusto por lo espacial (o arquitectónico), la forma en que compone y cómo un accidente que terminó en un asesinato en la década de los 50’s fue musa para, posiblemente, la canción más emblemática del mismo material.

Forecast In Rome se presentará en la edición 2016 del Festival Marvin, más te vale que lo guardes en tu itinerario.

 

He leído que en muchos blogs y sitios aseguran que eres un productor como pocos en el país, ¿a qué crees que se deba ese enunciado?, ¿crees serlo?

Creo que es por el hecho de que hago música electrónica pero a la vez canto y compongo; por el momento, en México hay poca gente que esté en medio de esos dos mundos, y los que conozco que podrían estar en el mismo lugar también son productores relativamente nuevos. También creo que es por la mezcla de géneros tan específicos y heterogéneos que utilizo: canto gregoriano, trap, vaporwave, dark ambient, RnB… géneros que parecen dispares pero que están mezclados homogéneamente. Sí lo creo porque no he encontrado muchos productores así, aunque no lo digo de forma pretenciosa porque al final me gustaría que hubiese más proyectos de productor-vocalista-compositor.

¿A quién considerarías también como un productor diferente en México?

Refiriéndome a gente que esté en el mismo espectro que el mío, o sea, siendo compositor-productor-vocalista, podría decir que Wet Baes y Grenda, que son proyectos increíbles que me gustan mucho y no he escuchado nada como ellos en México. A Wet Baes lo vi en el Primavera Plop y estuvo súper cabrón; y Grenda estará en el próximo Festival Marvin –dónde nosotros tocaremos también– y espero ver su Live Act.  

Escuchando los materiales que has lanzado, uno puede percatarse de la gigante paleta sonora que manejas, y eso es significado de dos cosas: que escuchas muchísima música y que has experimentado mucho tiempo con tu sonido… ¿me equivoco?

Claro, siempre me ha gustado escuchar cualquier tipo de música, no sólo porque lo disfruto sino porque me da muchos recursos para hacer la mía. Siempre estoy experimentando tanto en sonidos como en formas de hacer las cosas; antes hacía las canciones completamente acústicas y después las hacía electrónicas, es un proceso muy lento, pero me permitía dar otro color al resultado final, además de hacerlo más íntimo, que era mi intención, y así hice mi primer EP. Ahora lo estoy haciendo todo digitalmente, lo que me está permitiendo concentrarme en la plasticidad y el mood de la canción, y las letras están hechas para apoyar el esquema completo de cada una. En el futuro seguro voy a estar haciéndolo de otra manera…

Algo que noto es que es imposible que sigas tendencias tan evidentes, es decir, tu música y tu producción se percibe muy fresca, influenciada sí por muchos elementos de incontables géneros, pero muy propositiva…

Supongo que se debe a que mezclo muchas cosas a la vez, aunque siempre he cuidado que todo se escuche unificado y que los distintos géneros que lo conforman no sean tan evidentes; las tendencias sí me influencian de una u otra manera, claro, pero me gusta mantener mi identidad sonora en todo lo que hago.

Me fascina la idea de que llegue el día en el que sea posible hacer espacios virtuales y se puedan dar conciertos conceptuales en línea; la realidad virtual está despegando así que puede que no falte mucho…” 

Hablando sobre ‘Landscapes’, tu segundo EP, se siente trabajado hasta la medula, ¿qué ha inspirado cada uno de los 6 tracks del material? ¿Son en verdad un paisaje por sí mismos, o todos forman uno solo… como una especie de disco concepto?

Sí, cada una es un paisaje mental con distinto mood estéticamente hablando, pero temática y líricamente, todas las canciones están basadas en cómo la tecnología está cambiando nuestras relaciones interpersonales… así que se puede decir que todas son paisajes completamente diferentes pero tienen una conexión entre sí.

Entre las cosas que me inspiraron fueron Giorgio de Chirico, series de misterio ochenteras y noventeras, Blade Runner, Neuromancer, la estética cyberpunk, y cosas que veo en mi dashboard de Tumblr.

¿Qué hay de “Monterrey”? Creo que es el track más interesante y fuerte del EP; se nota la influencia del RnB a tope, incluso con reminiscencias a lo Frank Ocean, pero con elementos también muy minimal, oscuros y hasta noventeros… ¿cómo lograr toda esa fusión? Es una mezcla muy bien acabada.

No sé cómo explicarlo porque el proceso es muy visceral, pero desde que compuse esa canción tenía claro el “escenario”: una calle oscura pero de alguna forma acogedora, con algunas luces neón, y tonos morados con cian. Teniendo la escena clara fue bastante directo lograr el sonido; esa vibra noventera no fue planeada, simplemente salió así.

¿Y así sientes la ciudad? Es decir, Monterrey, ¿o se trata de otra cosa?

Muchos piensan también que es por la ciudad, en realidad está basada en algo que pasó en Ciudad de México: cuando recién llegué a vivir acá y empecé a conocer lugares, de las primeras cosas que quería conocer era la casa donde vivió William Burroughs y donde había asesinado accidentalmente a su esposa intentando dispararle a un vaso sobre su cabeza. Estuve buscándolo y descubrí que su antiguo departamento está en Av. Monterrey, en la Roma. Me gustó mucho la idea de que estar enamorado puede ser todo increíble (“a smile on the lips”) y le diste al vaso, o puedes terminar jodido (“a shot in the head”) y la cagaste, y en eso se basó la canción.

También noto algo de influencia de música más vieja, por ejemplo, en “Landscape VI” hay algo de teclados más ochenteros y secuencias por el estilo…

Sí, en ese tiempo recién había entrado Pablo Mendía al proyecto y de algo que platicamos mucho (MUCHO) es de sintetizadores y de plasticidad sonora. Por ese tiempo hablábamos de la vibra de la música de shows de misterio ochenteros/noventeros, onda “X-files”, “Misterios sin resolver”… y de cómo pueden ser oscuros sin caer en lo trillado de demonios o cosas así. Y de ahí fue surgiendo la estética del disco en general, aunque donde está más presente es en “Landscape VI”. De hecho utilizamos un Wavestation, que es un sinte ochentero que usaban para musicalizar ese tipo de shows.

Por la línea de tus producciones, ¿dónde te gustaría escucharlas? ¿En qué escenario pensarías como el ideal? Claro, si es que lo hay…

Estaría increíble tocar en un lugar completamente oscuro, con sólo un tragaluz circular encima de nosotros y con el público alrededor; sin muros ni colores. Ojalá exista un lugar así…

Sé que Minor Shadows se ha integrado a tu live act para ‘Landscapes’, ¿pero qué otros planes hay para ambos proyectos en conjunto? ¿Quizás uno nuevo como dúo?

Pablo se integró hace unos meses, aunque no es un collab, sino que él ya forma parte del proyecto permanentemente, hemos estado haciendo música nueva también; es súper padre porque es talentosísimo y entiende perfectamente la estética de Forecast In Rome, así que todo ha fluido muy naturalmente. Claro, no descarto nada a futuro, Charlie es un super baterista y estaría cool hacer algo en conjunto como colaboración.

Leí que te interesa y te gusta la arquitectura de Luis Barragán, ¿has ido a su casa?

De hecho en cuanto me mudé acá y empecé a conocer más la ciudad, uno de los primeros lugares que quería visitar era su casa, había visto algo de él en Guadalajara y su obra siempre ha tenido un efecto muy abrumador en mi… recuerdo que ese día me súper emocioné porque su colección de vinilos es parte de la exhibición y están regados por diferentes puntos de la casa con su respectiva tornamesa… puedes ver que los tenía organizados por género dependiendo del espacio en el que estaban: en su recámara tenía clásica, en su estancia tenía música del mundo…

Es muy interesante como alguien con tanta maestría del espacio como él, usaba la música para complementarlo de alguna manera. Me identifiqué con esto porque yo compongo imaginándome un escenario o espacio, ¿será que él se imaginaba la música que se tocaría en los espacios que diseñaba?

Entonces este gusto por la arquitectura lo aplicas a tu música, ¿Cómo sería ese proceso? Porque creo que pueden relacionarse muy bien…

Sí, claro, aunque más que arquitectura, seria espacial en general, ya sea un espacio natural o uno generado por el hombre, incluso uno virtual… me fascina la idea de que llegue el día en el que sea posible hacer espacios virtuales y se puedan dar conciertos conceptuales en línea; la realidad virtual está despegando así que puede que no falte mucho… Puede que algún día los escenarios en los que baso mis canciones se hagan digitalmente y sea una experiencia audio-espacial más que sólo un concierto.

Por último, leyendo la descripción de tu Bandcamp y tratando de traducirlo, encontré esto: “Una canción es un espejo que conoce el cuerpo de corazón, es el emperador de la memoria, es la flama de una charla de una lengua encerada, es el jardín floral alimentado por el mito”…  ¿Qué significa este manifiesto?

Es un fragmento del poema “Midnight Singer” de Bei Dao. Ese verso tiene una cierta magia en el uso de palabras y significado, lo uso como statement porque es el epítome de lo que quiero representar con mi música.