Dolphant: “La mejor manera de definirnos era construir nuestra propia mitología”


Fotos: Moisés Bautista

Erebo, en la mitología griega, es en una sola palabra, “oscuridad”; la deidad de la sombra. Luego de la salida de ‘Æther’ en 2015, Dolphant entregó la continuación e intermedio de un gigante lanzamiento que ellos señalan como su Cosmogonía: ‘Erebos’, un EP de cinco canciones que une en poco menos de veinte minutos de grabación, a todo un panteón griego expresado en los sentimientos, conmociones, pasiones y titubeos más oscuros y subterráneos de la banda.

Es también un indiscutible y kilométrico salto en la producción sonora de la banda, llegando incluso y por momentos, a sortearse entre delicados capítulos de balada pop, guitarras matemáticas y arreglos de sintetizador que, fundamentales, sellan al conjunto tapatío en una elevada explosión de sus ya conocidos recursos.

Su inspiración lírica y conceptual, el tratamiento de sus composiciones, ser una banda independiente hoy día, la ardua creación de un material físico y la historia de cada uno de los temas de su nuevo EP… todo ello en esta honda charla y recorrido canción por canción. Esta es una entrevista de orden mitológico:

Desde su EP pasado, comenzaban a trabajar en sus composiciones apoyados de la mitología, y en el caso específico de ‘Erebos’, todo el material se relaciona a ello, específicamente a la griega… ¿cuál es la razón de ello?

Cuando empezamos a darle nombre y forma al material que seguiría a ‘Human Starlings’, nos dimos cuenta de que lo que necesitábamos era explorar nuestra identidad, conocernos mejor y dirigirnos hacia nosotros antes de ir a ningún otro lado. Decidimos hacer una trilogía de EPs para ello, cuyo primer capítulo es ‘Æther’, y sigue con ‘Erebos’. Luego, nos topamos con que es difícil decir si conocernos mejor significa reinventarnos o descubrirnos; ¿qué tanto afecta el observador a lo observado?

La mejor manera de definirnos, pensamos, era construir nuestra propia mitología, por así decirlo, porque un mito es la amalgama ideal para descubrir una verdad al mismo tiempo que se construye. Por un lado tenemos referencias a diferentes mitologías que nos inspiran y nos ayudan a tener estructura, pero por otro, tenemos todos los demás elementos con los que intentamos formar el mito de la bestia híbrida que nos identifica. Por eso la trilogía se llama “Cosmogonía”, que es un intento de carácter mitológico por explicar el mundo, en este caso, nuestro mundo.

Cada disco de la trilogía es un paso de nuestra exploración de diferentes sonidos, temas y estéticas que deseamos experimentar. Los nombres de los discos siguen la cosmogonía tradicional de nuestra cultura occidental, cuya versión más famosa es la griega: primero no hay nada, luego hay oscuridad (‘Erebos’) y luego hay luz (‘Éter’). Sólo que nosotros vamos al revés, porque para descubrir el origen de algo tienes que empezar por el final.

Y en realidad, todas esas referencias en este EP tienen que ver con la oscuridad y la maldad…

En el caso específico de ‘Erebos’, cada canción tiene el nombre de una personalidad del panteón griego relacionada con la muerte y la oscuridad. No es algo muy premeditado de nuestra parte. Los nombres de las canciones de cada disco de la trilogía siguen una temática particular que se va dando de forma natural. Aquí la primera canción que tuvo nombre fue “Perséfone” y eso dio pauta para las demás, y encajaba bien porque este disco tiene que ver con cosas más introspectivas y personales, rincones más oscuros de nuestras cabezas; nuestros miedos, nuestros errores, nuestras heridas.

“Sentimos que en la era digital, un material físico sólo tiene sentido si es una pieza de arte en sí misma, una traducción de la música que contiene al mundo de carne y hueso”

¿Y realmente, de qué habla el EP? El estilo lírico de la banda siempre ha sido muy metafórico y su sonoridad muy ensoñadora…

Tal vez parezca irónico, pero al empezar a explorar los sonidos más alejados del rock de la trilogía, nos inspiramos a hablar de ese tipo de cosas que mencionamos antes. Las estructuras más regulares permitían sacar sentimientos más ocultos, más primitivos, que salían más fácil al aire sin tener que acomodarse a sonidos más complejos; la melosidad de las armonías nos alejaba de nuestra propia violencia y nos acercaba a la melancolía, que tiene que ver más con nosotros. El objetivo de este EP, a final de cuentas, era retratar con los menores tapujos posibles un paso más dentro de nosotros.

Yo supongo que somos propensos a las metáforas porque las cosas que tratamos de expresar suelen ser difíciles de hacer con un lenguaje más cotidiano. Aunque se trata de cosas a menudo muy simples, son un poco ajenas al lenguaje verbal. ¿Cómo explicas el amor, el tiempo o la muerte en las pocas letras de un verso? Es mucho más fácil y natural para nosotros decir “Estrella, luz de mis convulsiones” que todo un rollo sobre las cosas que nos hacen bien y mal, las que deseamos y aborrecemos, y al mismo tiempo, hacer referencia a los padecimientos neurológicos y la historia de nuestros integrantes.

Creo que la característica ensoñadora de nuestro sonido tiene motivos similares; estamos operando en un espacio con un lenguaje muy particular, tratando de conectar hacia afuera cosas que sólo sabemos expresar con nuestra música. Es un espacio entre el mundo real y partes normalmente incomunicadas de nuestras cabezas, tal vez es el mismo lugar donde ocurren los sueños.

Sobre su material en físico, ¿qué tan laborioso ha sido conjuntar todo este concepto en el disco?  Es decir, contiene múltiples simbolismos y también algunas características que muy pocas veces vemos ya en un álbum físico…

La verdad se siente como una hazaña en sí misma, independientemente del trabajo necesario para producir la música que contiene. En parte es porque enfocamos muchos esfuerzos creativos en el material en físico: sentimos que en la era digital, un material físico sólo tiene sentido si es una pieza de arte en sí misma, una traducción de la música que contiene al mundo de carne y hueso. De otra forma puede no ser más que un desperdicio de espacio y recursos naturales. Además es una oportunidad ideal de completar muchas cosas que no caben en la música.

¿Y qué tan difícil y costoso es para una agrupación emergente al día de hoy, el realizar un tiraje, imprimir y maquilar un material así?

Entre lo que cuesta grabar, mezclar, masterizar, maquilar copias físicas, subir a plataformas digitales y promocionar, sí acaba siendo una buena lana. En parte es costoso porque muchísimas cosas te las quieren cobrar en dólares, aún si haces todo en México, se siente como si importaras, y la situación económica del país está bastante gacha como para andar “importando”.

Por otra parte, lo difícil es que terminas dividiéndote entre las cosas que quieres hacer con tu vida, lo que sientes como tu vocación o destino, y lo que necesitas hacer para pagarlas. Por más que uno intenta que ambas partes no estén muy separadas, no siempre se puede. Es algo que mucha gente experimenta, pero eso de que uno se sienta dividido, como si fuera dos personas, llega a ser medio feo y es una de las dificultades más grandes de la mayoría de los proyectos emergentes. Igual, todo vale la pena con tal de que uno se pueda salirse un poco con la suya.

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Iniciaron cantando en inglés en su primer EP, luego, comenzaron a componer en español, y ahora,  en ‘Erebos’, la banda se ha apegado totalmente a su idioma, ¿esto era ya planeado  desde la concepción de su trilogía de EP’s,  o fue apareciendo con los años?

‘Human Starlings’, nuestro primer EP, empezó a hacerse antes incluso de que Dolphant tuviera nombre y la configuración actual (el proyecto se llamaba Del Toro y tenía otro vocal), así que pocas cosas entonces eran planeadas. Creo que es común entre proyectos emergentes empezar con cosas en inglés porque al final mucho de lo que uno escucha está en ese idioma. Definitivamente no era un cambio meditado desde el principio de la banda. Fue al comenzar la trilogía conÆther’, incluso antes de que el concepto estuviera bien formado, que nos propusimos comenzar a usar el español. Descubrimos que había cosas que podían decirse mejor en nuestro idioma natal, el que usamos todos los días desde niños. De alguna forma se siente como una pieza del rompecabezas que faltaba.

También, tal vez aceleramos la adopción del español porque se sentía como un reto. Desde el principio mucha gente nos preguntaba por el idioma, varios incluso no nos tomaban en serio o nos cerraban puertas. Creo que hay cierto estigma de que los mexicanos que no escriben en español hacen cosas falsas,  y no es un estigma en el que creamos, pero de alguna manera se sentía como probarle algo al mundo. Igual, nosotros seguimos procurando expresarnos de la forma más auténtica que podamos y eso significa que algunas cosas salen mejor en inglés; al final de cuentas seguimos escuchando mucha música en inglés y eso nos contagia. En éste EP, “Nyx” tiene una parte en inglés y es probable que volvamos a aprovechar el idioma en algún momento del futuro.

Hablemos justo del EP y de cada una de las canciones, creo que hay mucho para profundizar; “Nyx” es el tema que abre y es también la diosa de la noche en la mitología griega…

Esta canción es una de las primeras que hicimos bajo el nombre de Dolphant, sólo que no encontramos un lugar para ella hasta este disco. La letra surgió de conversaciones sobre episodios convulsivos que a veces sufre Yanik (batería). Hablábamos sobre la idea de perder conciencia y desaparecer de repente, algo que muchas doctrinas como el budismo persiguen como la última trascendencia y el objetivo final, pero que para Yanik es de lo peor que puede pasar. Por un momento tuvo el nombre clave de “niño de cristal”, así le decíamos a Yanik porque era muy propenso a los accidentes.

La canción habla sobre nuestros peores momentos, en los que no nos reconocemos, cuando todo falla y que nos marcan para siempre. Se alimenta de experiencias personales y las aprovechamos para procesarlas y aceptarlas. Siendo un primer paso lejos de la luz hacia la oscuridad. El nombre hace referencia a la atmósfera que cubre el resto del disco: la noche.

Pensamos que la canción es ideal para comenzar el disco porque hace una buena transición con ‘Æther’; habla de la misma sensación de estar fuera de la conciencia propia, pero lo hace desde la posición introspectiva de ‘Erebos’, deseando regresar a uno mismo, aceptando el terror que da el vacío. Sentimos que el sonido también hace puente entre la música algo más agresiva del EP anterior y las formas más regulares del actual.

“El amor del que se suele hablar en las baladas es un amor enfermizo, venenoso, obsesivo… la gente saludable no ama como en las baladas comunes, como si fuera todo o nada, vida o muerte”

Sobre el tema que le da nombre al EP, “Erebos” es un interludio ambiental, sombrío como  a  quien hace alusión, casi cinemático,  ¿Cuál es la inspiración de esta canción?; ¿Qué tanto de este tema se amplifica en toda la esencia del EP?

Dany, bajista de la banda, prepara un interludio para cada EP de la trilogía una vez que las demás canciones tienen forma. El propósito es ubicar al que escucha en un espacio correspondiente al resto de la música; en este caso pretende sumergirnos en lo más profundo y negro del océano igual que intentamos sumergirnos en lo más oscuro de nosotros con este disco. La pieza toma algunas melodías y armonías inspiradas en “Nyx” y las tranquiliza como preparación para la canción que sigue, “Hades”.

De “Hades” conocemos  la connotación del inframundo, pero, en algunos momentos, me suena a una balada, a una canción donde la metáfora se complementa en una canción de amor posiblemente…

En efecto, creo hay algo de una canción de amor en este caso. Igual, el amor del que se suele hablar en las baladas es un amor enfermizo, venenoso, obsesivo… aun cuando generalmente no es su propósito, la temática de este tipo de canciones suele ser digna de una tragedia clásica. La gente saludable no ama como en las baladas comunes, como si fuera todo o nada, vida o muerte.

Esta canción se compuso poco después de consolidar “Perséfone”. Al principio se pretendía que fuera una canción sobre experiencias personales de nostalgia, depresión y padecimientos neurológicos, –que siguen siendo la temática principal de la canción– pero al escribir la letra algo nos recordó a Hades, solo y triste en el inframundo, y la visión polarizada que causa una depresión clínica merecía alimentarse de experiencias personales con las secuelas del desamor. Así la canción tomó su nombre, para ser pareja con “Perséfone”, ahondando en su propia mitad del proceso de un duelo, las secuelas de una pérdida. Cabe agregar que la canción inicia con el sonido de un reloj, como el sonido del conejo que lleva a Alicia hacia el abismo. Así hay varios detallitos en el resto del disco.

Y “Perséfone” es la canción que le sigue… es además una de los temas que más guitarras tiene y que, de alguna forma, se asemeja mucho más a una faceta  pop de Dolphant…

Sí, vaya, seguido bromeo que de repente parece una canción de J-pop. Aquí tiene aún más fuerza la idea que mencionaba respecto a Hades. Creo que si alguien que no ha escuchado pop nunca, escuchara lo emblemático del género, le parecería un montón de sátiras o escenas terroríficas sobre personas obsesivas, torturadas y traumadas. Tratándose, en nuestro caso, de expresar traumas personales y nuestros sentimientos más oscuros, parecía un sonido ideal.

En este caso, lejos de simplemente inspirarnos en este tipo de sonidos, nos casamos con la idea y la llevamos tan lejos como podíamos en cada instrumento, sin miedo a entrar en territorios que podrían considerarse cursis. Hay muchas historias personales en este disco que no sabríamos expresar a profundidad sin música, lo irónico es que cosas tan personales suelen ser las que más nos conectan como seres humanos: las experiencias de las que no podemos hablar francamente abundan en el imaginario popular porque al final todos las tenemos. No podíamos hacerle justicia a esos sentimientos sin atrevernos a interceder completamente por ellos. En este caso, la historia de Perséfone y Hades es el símbolo por excelencia de una relación tóxica, que nos parecía un contexto ideal para hablar de nuestros momentos más bajos.

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“Las experiencias de las que no podemos hablar francamente, abundan en el imaginario popular porque al final todos las tenemos”

¿Con Pandora se cierra el EP y se abre la caja? Es también una de las canciones más apegadas, al menos al inicio, a la matemática de las guitarras…

Esta canción tuvo nombre antes de que estuviera consolidada y antes de que tuviera una sola palabra de letra. No recuerdo bien cómo pasó pero de repente su sonido parecía ideal para celebrar la muerte como parte de la vida. El mito original de Pandora es uno de los más misóginos que existen: explica la existencia de la mujer como un castigo para los hombres, un ser que no hace nada más que liberar todas las desgracias que pueden sufrirse. La idea era darle la vuelta al mito; los seres humanos son la causa principal de todas las desgracias que sufrimos, así que lo que Pandora liberó fue a todos nosotros. Se hablaría de la muerte, fuente de la vida.

Así, la canción, consolidando la temática del EP, parecía ideal para terminarlo. Además era la mejor manera de conectar con el EP que sigue, que habla de cobrar vida y que tiene más de esas matemáticas que mencionas; juegos de tiempos, contrapuntos, puntos de fuga, etc.

¿Seguiremos viendo ese uso de la mitología en siguientes lanzamientos?

Al menos en ‘Arque’, el EP que sigue, la mitología seguirá teniendo un papel importante, puesto que estaríamos terminando nuestra Cosmogonía. Sin embargo, las canciones no tendrán nombres de deidades, hay otra temática que encaja más con ese disco y que esperamos revelar en un momento adecuado.

A partir de ahí, creo que nos despegaremos un poco de las referencias a mitologías clásicas. Las canciones que van para después de ‘Arque’ parecen llevarnos hacia nuestro presente; tenemos la idea de continuar nuestro mito con lo que pasa a nuestro alrededor y lo que viene en el futuro. De todas formas, quién sabe qué trae el porvenir.

Por último, ¿podrían considerarse el ser quizás una banda de culto o de nicho en el  país, por justamente ese tratamiento especial a las canciones?

No sé por qué siento que si dijéramos que somos una banda de culto seríamos muy pretenciosos; tal vez porque eso es algo que debería decir el tiempo y la sociedad, tal vez porque a veces parece un pretexto para justificar la falta de popularidad extendida de un proyecto, tal vez porque hace que me imagine a alguien rindiéndonos culto y eso sería elitista y malvado.

Pero creo que cuando la gente hace cosas por hacerlas, cuando el arte es un propósito en sí mismo, uno suele desviarse de los estándares y acercarse a algún nicho. Creo que hay gustos tan diferentes que, nuestras cosas favoritas no pueden ser las favoritas de todo mundo. Y al revés, cuando algo tiende a gustarle a todo mundo, es difícil que sea lo que más le gusta a alguien. Cuando uno hace arte de esa forma, uno suele intentar hacer sus cosas favoritas, cosas que uno desea que existan y que nadie más hace. Y, aunque rara vez el arte propio es el favorito de uno (luego uno es su peor crítico), esto hace que nuestras creaciones tiendan a entrar en nichos específicos, a gustarle más a gente parecida a nosotros. Eso es bueno porque, al compartir estas creaciones personales, lo más importante que buscamos es conectar con gente como nosotros, de nuestra especie, para no estar solos.

Lo irónico de que podríamos considerarnos parte de algún nicho es que, aunque creo que tenemos una marca particular en nuestro sonido, generalmente andamos experimentando por diferentes estilos sonoros, intentando explorar emociones muy primarias. No es algo que nos pase sólo a nosotros, sino también a muchos proyectos emergentes que seguimos. Tal vez, si pertenecemos a un nicho, se deba en parte a que procuramos construir nuestro proyecto con capa tras capa de significado, para hacer algo que sintamos honesto y completo; por más que alguien podría pasarla bien escuchando alguna de nuestras piezas, sacarle el jugo que tiene requiere de una inversión de tiempo y atención que no todos tenemos en nuestro mundo saturado de prisas, tráfico, trabajo y basura superficial.